banjo

Fue desarrollado en el siglo XIX en Estados Unidos, donde los músicos de raza negra explotaron sobre todo sus posibilidades rítmicas. Hacia 1890 entra a formar parte de la música dixieland, y pronto se convierte en el instrumento musical por excelencia de la música tradicional estadounidense.
En sus orígenes, es abierto por la parte trasera (banjo openback), añadiéndose en el siglo XX un resonador de madera a modo de cierre. Se conforma así el banjo de bluegrass, con mayor resonancia y volumen que su hermano mayor. Hasta el día de hoy, ambos tipos de banjo siguen conviviendo y son empleados dependiendo del estilo musical.
Los banjos (openback y bluegrass) se desarrollan asimismo durante el siglo XX en infinidad de instrumentos, variando la longitud del mástil y el número de cuerdas, y combinándose con otros instrumentos tradicionales.³​ Surgen así los banjos plectrum (de 4 cuerdas), los tenores y tenores irlandeses (con mástil corto y 4 cuerdas), los banjoleles (banjo-ukeleles), las guitarras-banjos (banjo con mástil de guitarra), los mando-banjos (fusión de banjo con la mandolina) y otros. La familia del banjo es por tanto, muy numerosa.
Este instrumento da un sonido muy característico a las bandas de country y jazz en sus distintas modalidades, y la velocidad de pulsación de sus cuerdas varía de unos estilos a otros, por ejemplo, en el bluegrass el ritmo es tan rápido que causa admiración.
Inclusive el charlestón y el foxtrot usan este instrumento en algunas variantes especiales.
El banjo de hoy en día viene en una variedad de formas, con versiones de cuatro y cinco cuerdas, e incluso una versión de seis, afinada y tocada igual que una guitarra que está ganando popularidad. En casi todas las formas, tocar el banjo significa un rasgueo rápido (arpeggio) de las cuerdas, aunque existen muy diferentes estilos.
El cuerpo (o "pot") de un banjo moderno consiste en un "rim" circular (generalmente de madera, aunque en los antiguos era también de metal) y un parche tensionado, similar al de una batería. Normalmente este parche se hacía de piel animal aunque a día de hoy lo más común es el material sintético. La mayor parte de banjos modernos tienen también un "tone ring" o que ayuda a clarificar y proyectar el sonido.
El banjo se afina muchas veces mediante clavijas de fricción o engranajes, más que con tornillos sin fin como en las guitarras. Los acordes son estándar desde finales del siglo XIX, aunque existen banjos sin trastes para quienes desean ejecutar glissandos o conseguir sonidos y tactos antiguos.
Los banjos actuales tienen generalmente cuerdas metálicas. Normalmente la cuarta cuerda era de acero o aleación de bronce-fósforo. Algunos ejecutantes prefieren nylon o cuerdas de cuero para conseguir un sonido más old-time y melodioso.

Instrumentos de viento

DEFINICIÓN (¿QUÉ SON?)

Los instrumentos de viento son aquellos que son capaces de expulsar aire de su interior de tal manera que producen un sonido.

Este tipo de instrumentos, también llamados aerófonos, proceden de la antigüedad, y de hecho están considerados como los terceros más primitivos, tras la voz y los instrumentos de percusión (tambores, etc). Se cree que el ser humano empezó a tener conocimiento de estos sonidos al soplar por cañas huecas, cáscaras de frutas varias e incluso huesos. Hay que pensar que por aquella época, descubrir algo así debió verse como algo mágico, por lo que no es de extrañar que se usaran para intentar comunicarse con los dioses, pidiendo lluvia, salud, protección o incluso como forma de hablar con los muertos.

Con el tiempo, el hombre antiguo es seguro que descubrió que el sonido expulsado por estos medios cambiaba en función del número de agujeros que tenía el instrumento, descubriendo así las notas musicales.

Tras siglos de evolución, actualmente existen multitud de ellos. Se clasifican en metálicos y de madera en función del material con el que está construido el tubo, aunque actualmente algunos de los instrumentos de madera se construyen en metal, pero al conservar su sonido característico siguen considerándose como de madera. Veamos algunos ejemplos a continuación.

EJEMPLOS

Ejemplo 1: Flauta. La flauta más antigua que se conoce es un hueso encontrado en una cueva de Alemania datado en más de 35 mil años. Hoy en día suele ser el instrumento más utilizado en las escuelas para enseñar música a los niños. La flauta más popular sigue el patrón de construcción que inventó el orfebre Theobald Boehm hace casi dos siglos, cuando perfeccionó el diseño de los agujeros para adaptarlos mejor a los dedos.

Ejemplo 2: Saxofón. El saxo, instrumento característico del jazz, entre otros géneros, fue inventado por Adolphe Sax en los años 1840. El tubo cónico de latón del que se compone se agranda a medida que llega al final, dándole un aspecto acampanado. Tiene entre 20 y 23 agujeros. Algunos de los mejores saxofonistas de la historia fueron Charlie Parker, John Coltrane, Dexter Gordon, Lexter Young, Albert Ayler, Eric Dolphy o Coleman Hawkins.

Ejemplo 3: Oboe. El oboe mide entre 50 y 60 centímetros de largo y tiene, como otros instrumentos, más agujeros que dedos el ser humano, por lo que incorpora un sistema de llaves cuya función entre otras es la de taparlos en el momento adecuado. Su uso está muy extendido en las orquestas sinfónicas especialmente cuando interpretan obras del periodo barroco. Su sonido es expresivo a la vez que suave y profundo.

Ejemplo 4: Clarinete. El clarinete (palabra que viene del latín y significa "pequeña trompeta") pertenece a los instrumentos de viento madera y su boquilla es de lengüeta simple. Por su sonido se presta a la ejecución de solos especialmente en el jazz. Algunos clarinetistas famosos en este género fueron Sidney Bechet, Johnny Dodds o Benny Goodman.

Ejemplo 5: Trompeta. La trompeta, parecida a la corneta, es un instrumento muy popular debido a su gran sonoridad, de forma que ha sido usada históricamente en todo tipo de eventos a modo de anuncio de la llegada de alguien importante, en el ejército antes de una batalla, en funerales, etc. Habitual en el jazz y en todo tipo de orquestas sinfónicas, es característica de los grupos de mariachis, donde normalmente encontramos a dos trompetistas fijos.

bateria

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento o armónicos. El origen de la batería radica en la unión, en 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que surgen de África y China; los platillos, que derivan de Turquía y también de China; y el bombo, de Europa.
En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar baterías cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX, en el cakewalk y otros estilos estadounidenses precursores del jazz.
Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocados por varias personas (entre 2 y 4), cada una de las cuales se encargaba de alguno de los instrumentos de percusión. Pero las pérdidas durante la Primera Guerra Mundial afectaron a la alta burguesía, que solía contar con pequeñas orquestas privadas, y se vieron obligados a reducir el número de músicos, y en muchos casos éstos, sobre todo los percusionistas, aprendieron a tocar varios instrumentos a la vez.
Con la invención del pedal de bombo (primero, de madera; después, de acero), en 1910, por parte de Wilhelm F. Ludwig, se permitió que casi todos los instrumentos de percusión pudieran ser tocados por un solo músico.
La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera, cubiertos por dos parches que están hechos comúnmente de un material derivado del plástico y dependiendo del tambor es un tipo de parche u otro. Hay desde parches muy básicos hasta los parches más complejos compuestos, por una capa de un plástico base, otra con aceite que guarda el sonido y crea un "reverb" y otra que es la sección de golpeo hecha de un material derivado de el látex para la mayor duración del mismo. Un tambor está compuesto por dos parches, uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia.
Además la batería también es acompañada por los imprescindibles platillos, otros accesorios relativamente comunes (tales como el cencerro, panderetas, bloques de madera, entre otros) y ocasionalmente cualquier objeto que produzca un sonido con cierta músicalidad y del gusto del baterista. La batería se puede afinar con una llave de afinación y un sistema de capachos o lugs y pernos de afinación que tensan el parche. Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa.

• Bombo: Usualmente tiene un diámetro desde 18” hasta 26” (45'72 a 66 cm), y una profundidad de entre 14” y 22” (35'56 a 55'88cm) aunque también se los encuentra desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de diámetro. El más usado es el de 22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a través de un pedal con una maza. También se puede manejar con un doble pedal, usando los dos pies que, comúnmente se conectan por medio de un sistema cardánico que activa la segunda maza, aunque existen diversos sistemas, incluso algunos de activación con el talón y la punta de los pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello, cumple una función de cimentación básica en la interpretación.En el Heavy Metal puede haber dos pedales situados delante del bombo para alcanzar mayor velocidad.
• Caja, tarola o redoblante: Suelen tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10” a 17”. La profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta 8,0”. A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordona o conjunto de alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja. Su función es marcar los compases, lo que no impide que se use libremente logrando cambios en la marcha y/o contratiempos
• Tom toms o toms: Miden desde 6” hasta 15” de diámetro. Generalmente van montados sobre el bombo, pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales muchas veces los toms van sobre los pedestales de los platillos.
• Tom base o tom de piso (goliat o chancha): Miden desde 14” hasta 20” pulgadas de diámetro. Generalmente poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un pedestal de platillo.
• Crash o Remate: Platillo mediano de 12” a 22”. Se utiliza para dar énfasis en los pasajes musicales y para algunos ritmos.
• Ride o Ritmo: Platillo grande cuyo diámetro varía entre 17” y 24”, aunque hay marcas a modo de curiosidad que los fabricaron de 26" e incluso hasta de 32”. Los más comunes son los de 20” 21" y 22”. Muchas veces se usan para llevar el ritmo en sustitución del hi-hat.
• Splash: Platillo pequeño que varía de 5” hasta 13” pulgadas. Se usan para efectos especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.
• China: Platillo que se fabrica desde 10” hasta 22”. También existe el china-splash, de 8” a 12” pulgadas. Se usan para efectos. Su diseño es característico pues son colocados del revés. Tiene una cierta similitud de sonido con el crash.
• Crash ride: Platillo mediano-grande de 18”-22”. Hay gente que los usa como Crash y como Ride, y gente que los usa solo como Crash, debido a su mayor potencia.
• Hi-hats, Charleston, Charles, o Contratiempos: Sistema que consta de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. Se fabrican de entre 10” y 15”, aunque se han llegado a fabricar incluso de 16". El más común es el de 14” y el de 15" pulgadas. Puede ser normal o edge (borde); este último consiste en que el plato que va abajo (bottom) tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros. Los Hi-hats se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.
• También existen platillos de efectos "especiales", como los cup chime, los bell, los chopper, spiral trash, china-splash, etc. que producen sonidos verdaderamente únicos y característicos para ampliar las posibilidades musicales del instrumento.
• También hay algunas baterías que incluyen en su set de platillos un gong (muchas veces de decoración). Estos suelen fabricarse desde los diminutos gongs de 6" a los de 60", aunque también se fabrican gigantescos gongs de 80".

Las configuraciones de tambores y platillos se hacen a gusto del baterista. Por tal motivo varían los tamaños y formas e incluso marcas, ya que cada una de ellas brindan un sonido único y fácilmente característico.
La batería se toca con baquetas o con escobillas. Raramente se emplean mazas de percusión clásica aunque en ocasiones se puede ver a algún baterista usarlos en algunos pasajes.
Las escobillas poseen en uno de sus extremos un peine de pelos o cerdas, usualmente metálicos o plásticos, permitiendo golpear de manera más suave y melódica, por lo que generalmente se usan en estilos como Jazz, Swing o Blues, aunque cualquier baterista de cualquier estilo puede usarlas.
Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio), grosor, longitud, tipo, material de punta (de madera o de nailon), forma de la punta (en forma de nuez, ovalada, barril...) y peso para tocar con mayor o menor rapidez, intensidad, precisión o con diferentes tonos en el caso de usar baquetas de punta de felpa, según las características de cada baterista.
Generalmente las más pesadas se usan para estilos más contundentes como el Hard Rock y el Metal por la potencia que proporcionan, y las más ligeras para estilos más suaves como el Jazz o el Pop, aunque cada baterista suele usar aquello con lo que más cómodo se siente.
Los pedales se emplean para controlar con los pies distintos elementos de la batería, generalmente los platillos hi-hat y el bombo de la batería. En ocasiones, aunque no es tan común, algunos bateristas usan pedales en cajas, tambores u otros hi-hats que controlan con pedales remotos.
Los pedales de bombo constan básicamente de:

• Una plataforma sobre la que el pie aplica la fuerza.

• Una maza con un extremo pesado que golpea el parche del bombo, con superficie de diversos materiales como madera, plástico o fieltro.
• Un sistema de muelles u otro sistema que provoque la tensión necesaria para que la maza del pedal vuelva a su posición de reposo.
• Una leva que transforma el movimiento giratorio arriba-abajo de la plataforma en el movimiento giratorio atrás-adelante de la maza.
• Una conexión mecánica entre el pedal y la leva. Generalmente se trata de una cinta de nylon, kevlar o una cadena simple o doble de acero. En los últimos años está ganando popularidad el sistema de tracción directa, en el que una pieza rígida une la plataforma y la leva.

El funcionamiento del pedal de platillo hi-hat es parecido, aunque su función es la de cerrar horizontalmente los dos platillos y volver a separarlos al soltar el pedal, por lo que carece de leva y maza.
Tradicionalmente se ha usado un solo pedal de bombo, aunque en las últimas décadas el pedal doble (un segundo pedal unido mediante una junta homocinética cardan) ha ganado bastante popularidad, al permitir al baterista tocar el bombo con dos pies, pudiendo así tocar patrones más complejos de la misma forma que toca con las manos. Además, tiene la ventaja de no tener que recurrir a un segundo bombo completo con su pedal (doble bombo) con el coste que ello acarrea.
Doble Pedal
El doble pedal es un aparato similar al pedal simple con la ventaja de poder controlar los golpes de bombo con ambos pies. El doble pedal articula dos mazas en la mayoría de las veces a un solo bombo, con lo cual se obtiene la ventaja de un sonido similar en cada golpe. La incorporación de este tipo de pedal dentro de la batería presenta ciertos retos ya que resulta complicado encajar el pedal dentro del conjunto ya existente. A veces el músico tiene que re-colocar los soportes de la caja con su encaje con el hi-hat o charles siendo especialmente difícil dado que los pedales de ambos aparatos deberían posicionarse directamente bajo el pie del músico.
Uno de los pioneros del uso del pedal de doble bombo fue el baterista de jazz Louie Bellson,.³​ Posteriormente, este tipo de pedal se ha utilizado principalmente en grupos de rock, metal, hard core, y relacionados. Asimismo, muchos bateristas profesionales independientes de estudio destacan en el uso de éste aparato.

PASOS ANTES DE ADQUIRIR UN VIOLIN

#1: Asegúrate de que el violín está en buenas condiciones y listo para ser usado

Es muy frecuente encontrar grandes ofertas en violines de estudio que vienen en sets de estudio con “todo incluído”. Del mismo modo, es habitual encontrar anuncios de violines de segunda mano a precios aparentemente muy interesantes.

Además de tener en cuenta si el instrumento incluye arco y estuche, y la calidad de éstos, es fundamental saber si el violín está listo para tocar y si las cuerdas que tiene nos van a servir o si hay que cambiarlas.

En el caso de comprar un violín nuevo es fundamental saber si éste ha sido revisado y ajustado por un luthier o si viene así de fábrica. En el caso de que no haya pasado por las manos de un luthier, el coste de una puesta a punto puede ser elevado. Normalmente los luthieres que venden violines de estudio ofrecen los instrumentos ajustados y montados con cuerdas de buena calidad, aunque sus precios no suelen ser tan baratos. Si es necesario enviar el violín al luthier, el coste de sus servicios puede oscilar entre 50 y 150 euros (puede que incluso más), en función de lo que haya que hacerle al violín.

En el caso de los violines de segunda mano es importante saber si el instrumento pasó en su momento por las manos de un luthier y asegurarse de qué es necesario hacer con él una vez adquirido.

En ambos casos es importante fijarse en qué cuerdas lleva el instrumento y si va a ser necesario cambiarlas. Muchos profesores sugieren  una cierta calidad en las cuerdas. Un juego de cuerdas para violín se los que se recomiendan normalmente suele costar entre 30 y 50 euros, según la marca. Esto debe ser tomado en cuenta a la hora de valorar el precio de un violín tanto nuevo como de segunda mano.

Para terminar nos fijaremos en el arco y en el estuche. Normalmente los violines de estudio suelen ofrecerse en un set que incluye estos dos accesorios. El estuche debe ser rígido y ligero, y si tiene correas para colgar a la espalda mucho mejor. Además, el arco debe estar bien recto y debe tener una cantidad de cerdas suficiente. Si el arco está torcido o tiene pocas cerdas no servirá para nada. Esto es especialmente  en los violines de segunda mano.

#2: Compra con garantías

Parece obvio, pero muchas veces este punto no se valora ya que nos deslumbramos por las ofertas. Si comprar online asegúrate de que el vendedor respeta tus derechos de consumidor y cumple con las leyes de comercio electrónico. Recuerda que el vendedor está obligado por ley a recogerte el producto en un plazo determinado sin necesidad de dar explicaciones, siempre que el producto esté en las condiciones que indique. Revisa el apartado de condiciones de compra de su web (que es obligatorio) y asegúrate de que los datos que le comunicas viajan cifrados bajo conexión segura. Y, por supuesto, no olvides que debes de recibir tu factura por correo electrónico justo después de realizar el pago.

En el caso de comprar en una tienda “de las de toda la vida” pide factura, no te conformes con el ticket de compra. Te será muy útil para reclamaciones y, en el caso de que quieras revender el violín en el futuro, podrás enseñársela al futuro comprador.

Por último, si compras el instrumento de segunda mano, asegúrate de que alguien respalda al vendedor (en caso de ser un particular) y que lo que te ofrece es lo que dice. Que te enseñe la factura de compra del violín o la factura del luthier que lo ha revisado antes de ponerlo a la venta son detalles que te ofrecerán garantías. Si no, pide opinión al profesor. Si compras el instrumento de segunda mano en una tienda, no olvides la factura. Aunque compres de segunda mano sigues teniendo tus derechos.

#3: No te dejes llevar por la idea de que luego lo vas a vender y vas a recuperar tu inversión

Hay muchos compradores que se dejan llevar por la idea de que van a poder vender su instrumento por lo mismo por lo que lo compraron, o que incluso van sacarle algo más. Pero eso de que los instrumentos se revalorizan con el uso vale para instrumentos de luthier y para violines de cierta edad (y no siempre).

Si te gastas más hazlo para tener un instrumento con el que sea más fácil y más agradable tocar y aprender, y piensa que, al revenderlo, como mucho podrás recuperar el 50% de lo que te gastaste.

#4: La apariencia es tan importante (o más) que la calidad o el sonido

Todo en la vida entra por los ojos, hasta la música. La calidad de los materiales, la calidad del sonido, la calidad de los accesorios… todo eso es importante. Pero nada importante si el estudiante no se enamora de su instrumento. Y si para eso hay que comprarle al niño un violín verde… pues, como se dice por ahí, “haberlos, haylos”.

Tener entre las manos un violín que nos guste, que sea bonito, que esté limpio, que llame nuestra atención es algo fundamental para motivar el estudio y el gusto por lo que se hace. Y, como para gustos no hay nada escrito, el estudiante debería poder opinar y tocar-sentir eso que le va a acompañar en lo que puede ser una gran aventura.

#5: Ten en cuenta la opinión del profesor

No olvides que el profesor es el que más experiencia tiene en todo esto. Pídele opinión sobre lo que vas a comprar, si es adecuado para lo que el estudiante necesita y si lo que vas a pagar se ajusta o no a lo que te llevas.

Además, es probable que el mismo profesor te ponga en contacto con alguien que ofrece algo interesante de segunda mano o con una tienda que tenga una buena oferta.

#6: Compara precios, pero también prestaciones y servicios incluídos

A la hora de valorar el precio del violín recuerda tener en cuenta los accesorios y servicios que incluye. Además del violín necesitarás un estuche, un arco, una resina, una barbada (normalmente) y sería recomendable que tuvieras un juego de cuerdas de repuesto. Normalmente se usan de repuesto las cuerdas originales (que no suelen ser muy buenas) y se monta el instrumento con unas cuerdas de calidad.

Además, conviene que el instrumento sea revisado y ajustado para lograr un buen sonido y, sobre todo, para que sea fácil y cómodo de tocar.

Así que valora no sólo lo que te llevas, si no también lo que tienes que hacer después con el violín.

#7: Existen alternativas muy interesantes a la compra, como el alquiler o los sistemas de cambio

El alquiler de violines es una opción que se está poniendo muy de moda. Funciona como cualquier otro alquiler, y permite a los estudiantes contar con violines de calidad, preparados para tocar, y sin hacer grandes desembolsos de dinero.

Muchos luthieres ofrecen sistemas de cambio de instrumento: el cliente compra el primer instrumento que luego entrega como parte del pago de un instrumento superior en tamaño y/o calidad.  Esto es muy interesante, y no obliga a nada (o al menos no debería hacerlo).

Lo del violín verde iba completamente en serio. Pincha en la imagen y encontrarás violines de muchos colores y con diversidad de adornos.
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percusion

Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es quizá, la forma más antigua de instrumento musical.
La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.
Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo. Unos de los instrumentos de percusión más famosos son el redoblante (tambor) y la batería.
Los instrumentos de percusión pueden clasificarse en dos categorías según la afinación:

• De altura definida (afinados): Los que producen notas identificables. Es decir, aquellos cuya altura de sonido está determinada.
  Algunos son: el timbal, el vibráfono, la campana, la campana tubular, los tambores metálicos de Trinidad o el Glockenspiel, que es como un xilófono pero con láminas de metal.
• De altura indefinida (no afinados): Los que producen notas no identificables, es decir, producen notas de una altura indeterminada.

Entre ellos están: el bombo, la caja, el cajón, el afuche, las castañuelas, las claves, el cencerro, el címbalo, el güiro, la matraca, la zambomba, el vibraslap, la quijada, la batería, la tuntaina o victoria
En las orquestas se suele diferenciar entre:

• Percusión de parche
• Percusión de láminas
• Pequeña percusión

La armónica

La armónica1​ (del latín harmonĭcus, y este del griego ἁρμονικός), o rondín como se le conoce en el Perú,2​ o dulzaina (en El Salvador), es un instrumento de viento, del grupo de instrumentos de viento-madera y del subgrupo de instrumentos de lengüetas libres. Se toca soplando o aspirando el aire sobre uno de sus agujeros individuales o sobre múltiples agujeros de una vez. La presión causada por soplar o aspirar en las cámaras de las lengüetas causa que la lengüeta o lengüetas vibren arriba y abajo creando sonido. Cada cámara tiene múltiples lengüetas de tono variable, de latón o bronce, que están sujetas aseguradas por uno de sus lados y suelto en el otro extremo, siendo el extremo suelto el que vibra y crea el sonido.

Cada lengüeta tiene un tono individual: Cada tono está determinado por el tamaño de la lengüeta. Las lengüetas más largas producen un sonido profundo y bajo y las más cortas producen uno más agudo. En ciertos tipos de armónicas, los tonos de las lengüetas pueden variarse a otra nota por soplar o aspirar el aire de un modo especial (mediante la técnica del bending o el overbend/overdraw). Hay muchos tipos de armónicas: diatónicas, cromáticas, trémolo, orquestales, bajo, etc. Cada una de ellas se diferencia por su timbre y disponibilidad de escalas para ciertos estilos de música.

La armónica diatónica se usa en el blues, jazz, música folk, música clásica, country, rock and roll y pop. En inglés, la armónica tiene varios apodos, especialmente en el blues: harp, blues harp (armónica de blues), mouth organ (órgano de boca) y blues mouth organ.3​

Es uno de los instrumentos más vendidos durante el siglo XX. Compositores como Darius Milhaud y Vaughan Williams han compuesto obras especialmente para Larry Adler, uno de sus más notables virtuosos de mediados del siglo XX.

Existe un instrumento frotado llamado armónica de cristal, pero no tiene ninguna relación con la armónica.

Historia

La armónica fue inventada en China en 3000 a. C. aproximadamente. La emperatriz Nyn-Kwa poseía un instrumento de lengüeta conocido como sheng (que significa «voz sublime»).

En 1821, un relojero alemán de 16 años llamado Christian Friedrich Ludwig Buschmann inventó una especie de armónica de boca, al unir quince lengüetas de tubo (usadas para la afinación de los órganos). Dio a este instrumento el nombre de Mund-eoline («arpa de boca»).

La idea fue inmediatamente recogida por otro relojero alemán, su tocayo Christian Messner.

En 1822, Christian Buschmann le agregó a su armónica un fuelle de cuero vertical, para tener las manos libres para su trabajo. Un constructor de instrumentos musicales, el vienés Cyrillus Demian (1772-1847), le robó esta idea primitiva, la desarrolló y en 1829 construyó el primer acordeón. Buschmann perfeccionó su armónica como instrumento musical en el año 1827.

En 1830, un inventor de Bohemia, Richter, inventó el instrumento tal como se lo conoce en la actualidad: diez agujeros, veinte lengüetas, alternancia de soplido y aspiración. Su escala diatónica se volvió famosa como «afinación de Richter».

Treinta años más tarde, después de varios rodeos, la «armónica de boca vienesa» llegó otra vez a Alemania y el relojero de 24 años Matthias Hohner compró una de las creaciones de Buschmann y la copió comercialmente en su taller desde el año 1857. Su pueblo, Trossingen, se volvió el centro mundial de producción de armónicas. En los tiempos de la Alemania nazi, sus hijos abrieron el Colegio de Música del Estado (1935), que ha producido más de 3.000 maestros de armónica.


Conjunto de armónicas.
La guerra civil estadounidense aumentó la popularidad de la armónica. Hohner ya había enviado varias a sus parientes en EE. UU., y los soldados las encontraban fáciles de llevar y de tocar.

Hacia 1900, la mitad de las armónicas hechas en Alemania se vendían en EE. UU. La armónica más usada por los intérpretes de blues clásicos, la Marine Band, apareció en 1896 y sólo costaba cincuenta centavos. No se sabe cómo se comenzó a usar en cárceles y en plantaciones de algodón. Utilizando la capacidad del instrumento para sonar como un tren, le dio su lugar en obras como Pan-American Blues (de Ford Bailey) o Railroad Blues (de Freeman Stowers).

En los años 50 Joaquim Fusté Alcalà promovió la armónica en España, dando clases, reparándolas, y también era representante de las mejores marcas de armónicas. Fundó, fue director y participe del conjuto de armónicas Les Akord's y consiguió con el conjunto Les Akord’s el título de campeón mundial entre los armonicistas en Winterthur, Suiza (1955), Luxemburgo (1957) y en Pavía, Italia (1960).

Palo de lluvia

Palo de lluvia tradicional.
Un Palo de Lluvia o Palo de Agua es un tubo largo y hueco relleno de semillas, en cuyo interior se clavan palitos de bambú o de madera, formando una espiral que se extiende a todo lo largo. Cuando el tubo se inclina suavemente las piedrecillas o las semillas caen y su golpeteo con los palitos produce un sonido que se asemeja a la lluvia o agua cayendo.

Su origen se remonta a los pueblos indígenas de la amazonía sudamericana, muy extendido entre los pueblos tulumayos, panatahuas, quitos, asháninkas, entre otros; sin embargo, se han encontrado vestigios arqueológicos en culturas preincaicas de la costa peruana y los andes centrales.

Se utiliza generalmente para crear efectos de sonido ambiente o como instrumento de percusión.

Los materiales que se utilizan para construir un palo de lluvia varían dependiendo de las tradiciones culturales y los materiales que se pueden obtener en cada lugar. Tradicionalmente, se hacen con cactus cuyas espinas se sacan y se muelen, se dan vuelta y se vuelven a introducir. También suelen construirse utilizando cañas de bambú.

Los palos de lluvia industriales - por ejemplo aquellos utilizados con fines educativos - son hechos de plástico o metal y son rellenados con pequeñas bolitas de materiales sintéticos.

¿Como elegir un teclado?

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Decide para qué quieres usar el teclado. Si solo estás aprendiendo a tocar o si no tienes ninguna aspiración musical formal, es probable que te sirva un teclado relativamente barato (por debajo de los US$100 y nuevo). Si eres un músico formal o planeas presentarte en público, es posible que quieras comprar un teclado más costoso con más características profesionales.
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Conoce los tipos de teclado disponibles. Además de Moog, existen muchos otros fabricantes de teclados digitales, como Alesis, Casio, Korg, Roland y Yamaha. Aunque los teclados ofrecen diversas características, todos pertenecen a alguna de las categorías descritas a continuación:
Pianos electrónicos: un piano electrónico tiene el mismo teclado de 88 teclas que un piano acústico vertical, pero remplaza las cuerdas de metal y los martillos de fieltro con grabaciones electrónicas de esas cuerdas. Cuando presionas las teclas, estas golpean contactos electrónicos que tocan los sonidos correspondientes. Un amplificador remplaza la caja de resonancia que hace que las cuerdas de un piano acústico resuenen, lo cual hace que un piano electrónico sea más compacto. Los modelos de consolas tienen altavoces integrados, mientras que aquellos diseñados para presentaciones se conectan a altavoces externos.
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Sintetizadores: los sintetizadores pueden reproducir electrónicamente los sonidos de diversos instrumentos, así como crear sonidos electrónicos que los instrumentos musicales no pueden duplicar. Los más sofisticados ofrecen la capacidad de programar tus propios sonidos y se conectan a una computadora, ya sea por medio de una interfaz digital de instrumentos musicales (MIDI, por sus siglas en inglés) o de puertos USB (las interfaces MIDI también permiten que se conecten 2 teclados entre ellos, lo cual hace posible superponer sonidos).
Estaciones de trabajo. Las estaciones de trabajo, también llamadas teclados de arreglos, son sintetizadores más sofisticados que ofrecen la capacidad de secuenciación y grabación música, además de la interconexión de computadoras y la síntesis de sonidos. Estos teclados son más adecuados para estudios musicales digitales.
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Considera tu conocimiento musical actual. Algunos teclados domésticos vienen con sistemas de instrucciones integrados, así como manuales o programas informáticos instructivos. Estos sistemas integrados pueden incluir lecciones sobre cómo colocar tus dedos sobre las teclas mientras tocas, así como algunos tonos pregrabados que pueden tocarse mientras se resaltan las teclas que corresponden a las notas de la canción.
Si aún no sabes si practicar o no frente a alguien, busca un teclado con una entrada para audífonos, de modo que solo tú escuches la música cuando toques.
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Ten en cuenta el número de teclas. Los teclados electrónicos pueden tener desde 25 hasta 88 teclas. Los pianos electrónicos tienen las 88 teclas de un teclado de piano estándar y la mayoría de estaciones de trabajo tienen por lo menos 61 teclas o más. Los sintetizadores más baratos pueden tener hasta 25 teclas, aunque la mayoría de teclados caseros tienen 49, 61 o 76 teclas.
Mientras más teclas tenga, mayor será el rango del instrumento. Un teclado de 25 teclas solo tiene un rango de 2 octavas, mientras que un teclado de 49 teclas cubre 6 octavas, un teclado de 61 teclas tiene un rango de 5 octavas, un teclado de 76 teclas cubre 6 octavas y un teclado de 88 teclas alcanza las 7 octavas (cada octava incluye 7 teclas blancas y 5 teclas negras o 12 tonos cromáticos). Mientras más grande sea el instrumento, más espacio habrá para más características.
Sin embargo, el tamaño grande también determinará que sea menos portátil. Es posible que tengas que sacrificar el rango de 7 octavas de un teclado de 88 teclas por un instrumento más pequeño que puedas transportar si te gusta improvisar con tus amigos.
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Elige un teclado con teclas que sean fáciles de tocar. Además de tomar en cuenta el número de teclas, fíjate también qué tan fácil es tocar las teclas sin que te duelan los dedos o padezcas del síndrome del túnel carpiano después de tocar. Dos características que debes buscar cuando compras un teclado son sensibilidad al tacto y teclas calibradas.
La sensibilidad al tacto significa que la fuerza del sonido depende de qué tan firmemente presiones las teclas. En un teclado sensible al tacto, si presionas las teclas suavemente, el sonido será bajo; si golpeas las teclas, el sonido será fuerte. La sensibilidad al tacto normalmente no está disponible en teclados baratos.
Las teclas calibradas requieren que las presiones para moverlas hacia abajo, pero suben por su cuenta más rápido que las teclas no calibradas. El peso en la tecla hace al teclado más pesado, lo cual ocasiona que cueste más y que sea menos portátil, pero es más fácil para tus dedos si planeas tocar por períodos largos de tiempo.
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Evalúa la capacidad sonora. Hay 2 capacidades sonoras principales: polifónica y multitimbral. La capacidad polifónica es una medida de cuántas notas se pueden tocar a la vez en el teclado, mientras que la capacidad multitimbral es una medida de cuántos tipos distintos de sonidos se pueden tocar a la vez en el instrumento.
Los teclados más baratos pueden tocar solo unos 16 tonos a la vez, mientras que los sintetizadores más costosos y las estaciones de trabajo pueden tocar hasta 128.
La capacidad multitimbral entra a tallar si planeas producir música con el teclado. Esta es una ventaja para hacer capas de múltiples sonidos en una grabación.
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Busca facilidad de uso. Las preconfiguraciones deberían ser fáciles de usar y es aconsejable que los sonidos estén agrupados de forma lógica para que sean fáciles de encontrar y de recordar. Además, la pantalla de cristal líquido (LCD) del instrumento debe ser fácil de leer. La documentación adecuada es muy útil, pero no es bueno que tengas que consultarla cada vez que quieras usar las características más importantes del teclado.

Acordeón

En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un "diapasón" con una disposición de teclas que pueden ser como las de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones) (acordeón cromático) dependiendo del tipo de acordeón; la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y acordes de acompañamiento, también accionando una palanca se cambia el sistema de bajos, pasando al sistema BASSETI, que coloca las 4 primeras filas desde afuera con notas cromáticas y por octavas, mientras que las dos últimas se dejan como bajos y contrabajos sin octavas. Es muy popular en el País Vasco, Navarra, La Rioja, Asturias, Cantabria, Galicia y el norte de Castilla y León (España), París (Francia), Europa Central (Alemania, Austria), sur de Italia, Colombia, Panamá, norte de México, noreste de Argentina, República Dominicana, Ecuador, Perú y Chile por su vinculación con el folclore. Para el instrumento semejante utilizado en Argentina, Uruguay y Perú (en menor medida), véase: bandoneón. El acordeón también es muy utilizado por todo Brasil tanto el de teclas como el de botones de norte a sur del país en varios estilos y ritmos musicales.

Loudspeaker.png Escuche el sonido del acordeón.

Este instrumento puede parecer de cuerda percutida al ver las teclas como las de un piano, pero aun así el acordeón es de viento mecánico, ya que no funciona a través del soplo humano, sino a través de un mecanismo.

Funcionamiento del acordeón[editar]
Estas cajas de madera contienen, a su vez, otras cajas de madera más pequeñas en las que se encuentran los «pitos». Estos son lengüetas metálicas que vibran con el aire y generan el sonido del acordeón. Para cada caja de madera juegan cierto número de llaves o teclas, para seleccionar los sonidos a emitir. Estas cajas de madera contienen unos conductos por los que pasa el aire a las cajas musicales directamente a través de los pitos que emiten las diferentes notas musicales. En su estado normal todos estos conductos se mantiene bloqueados por una tapa de madera con la fuerza de los resortes correspondientes a cada tecla. Estos resortes se sostienen en una varilla transversal. Las teclas se comunican respectivamente con "palancas" que mueven las tapas de madera. Al presionar una tecla, la tapa de madera se abre por el tiempo deseado y posteriormente regresará a su posición inicial mediante la acción de los resortes.

Para hacer sonar una nota musical, basta con hacer pasar el aire abriendo o cerrando el acordeón mientras se presiona una o varias teclas. Dependiendo del tipo de acordeón, el sonido emitido puede o no variar al abrir y cerrar el acordeón mientras se presiona la misma tecla.

Al interpretar el acordeón, el lado de la mano derecha corresponde a las escalas (los sonidos son agudos), y la parte de la mano izquierda a los bajos y acordes.

Tipos

Músico ciego tocando el acordeón, en Pátzcuaro, Michoacán, México.

Acordeón diatónico (a botones).
Existen varios tipos de acordeón. Para tocar el acordeón cromático de botones y el de teclas son idénticas en la mano izquierda, pero para la mano derecha varían enormemente.

El acordeón cromático o Bayan, se distingue del acordeón de teclas a simple vista porque en la parte de la mano derecha el acordeón cromático tiene botones, mientras que el acordeón de teclas tiene un teclado modo "piano."

Un acordeón cromático de botones se distingue porque sus botones son blancos (para notas naturales) y negros (para notas alteradas) y están dispuestos en filas ligeramente inclinadas hacia abajo, de tres teclas en orden puramente cromático, es decir, partiendo de do, esta columna tiene do, do sostenido (botón negro) y re; la siguiente fila (la inmediatamente inferior a la anterior) de tres teclas tiene el re sostenido (botón negro), mi y fa, y así sucesivamente. Generalmente estos acordeones tienen más de tres columnas: lo más normal es que tengan 5 columnas de botones, siendo las dos superiores réplicas de las dos primeras. Esto sirve para aumentar las posibilidades de digitación al tocar, además de permitir transportar de tono una melodía sin tener que cambiar la digitación ejecutada.

En el caso del Bayan, el manual izquierdo tiene 2 manuales, a diferencia de los acordeones cromáticos convencionales, que solo tienen uno llamado stradella (sistema de bajo y acorde). El segundo manual tiene acceso por medio de una palanca o barra cerca de la botonera izquierda que al ser activado se disponen de 58 notas ordenadas cromáticamente, con las cuales puede el intérprete hacer melodía y deponer de un rango de notas más amplio.

Los "pitos" o lengüetas del acordeón se desgastan y se pueden desafinar, ensuciar o partir.

Para afinarlos se extraen las cajas musicales y se buscan los "pitos desafinados". Luego se liman los "pitos" hasta que se consiga la nota adecuada.

El limado se realiza por la punta para agudizar o subir el tono o por la parte de atrás del remache para bajarlo; para esto también se puede añadir un cuerpo metálico sobre la lengüeta, para que ésta baje de frecuencia.

Esta labor artesanal requiere de mucha práctica y experiencia, así como muy buen oído musical. Esto último se debe a que para el acordeón no se usan aditamentos electrónicos en su afinación, ya que la forma como vibran los pitos (en música: color de la nota) dificulta su lectura en aparatos electrónicos. Aún leyendo la frecuencia de la nota con aparatos electrónicos, el brillo de la nota solo que se gradúa al gusto podría no quedar acorde a los demás.

Esta técnica también es usada en acordeones diatónicos para "transportar"; es decir, cambiar sus tonalidades. En Colombia, por ejemplo, donde se usan mayormente los acordeones diatónicos, encontramos una profesión empírica denominada técnico de acordeones, que se dedica a estos procedimientos como al mantenimiento del acordeón en general.

bajo electrico

El bajo eléctrico, llamado sencillamente bajo,¹​ es un instrumento musical melódico de la familia de los cordófonos, similar en apariencia y construcción a la guitarra eléctrica, pero con un cuerpo de mayores dimensiones, un mástil de mayor longitud y escala y, normalmente, cuatro cuerdas afinadas según la afinación estándar del contrabajo, su antecesor.²​³​
Salió de la necesidad de producir los sonidos rítmicos graves con un instrumento más compacto, barato, fácil de producir y transportar que el contrabajo, que era el instrumento encargado de esta tarea en los años 40 y 50. Para esto, el bajo adoptó una forma bastante similar a la de la guitarra, aunque luego esto provocó que algunas personas confundieran estos dos instrumentos.
Con el objetivo de evitar un uso excesivo de líneas adicionales en el pentagrama, el bajo eléctrico ―al igual que el contrabajo― suena una octava más grave que las notas representadas en notación musical. Como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un amplificador para emitir sonidos.
Desde la década de 1950, el bajo eléctrico ha reemplazado progresivamente al contrabajo en la música popular como el instrumento de la sección rítmica que se ocupa de las líneas de bajo.⁴​ Aunque estas varían notablemente en función del estilo de música, el bajista cumple una función similar con independencia del estilo de que se trate: establecer el marco armónico y marcar el tiempo o «pulso rítmico».⁵​ El bajo eléctrico se usa como instrumento de acompañamiento o como instrumento solista en prácticamente todos los estilos de música popular del mundo, incluyendo el blues, el flamenco, el jazz, el pop, el punk, el reggae y el rock.⁶​

guitarra electrica

Les Paul

 Lester William Polsfuss (Waukesha (Wisconsin), 9 de junio de 1915 - Nueva York, 13 de agosto de 2009), conocido como Les Paul, fue un guitarrista estadounidense de jazz

Fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser conocido como «El mago de Waukesha»Nació en Estados Unidos, hijo de George y Evelyn Polsfuss. Su nombre de nacimiento fue principalmente simplificado por su madre a Polfus, antes que adquiriera su seudónimo. También fue conocido como "Red Hot Red". Comenzó a interesarse por la música a la edad de 8 años, cuando empezó a tocar la armónica. Después de intentar con el banjo, empezó a tocar la guitarra. A los 13, Les Paul ya era semi-profesional como guitarrista de música country. A los 17 tocó con Rube Tronson's Cowboys. Poco después dejó la secundaria para unirse a Wolverton's Radio Band en St. Louis (Misuri) en KMOX.
En los años 1930, Les Paul trabajó en Chicago, Illinois en la radio, tocando música jazz. Realizó sus primeros dos discos en 1936. Uno fue acreditado a Rhubarb Red, y el otro fue como acompañante de la música de blues Georgia White.
En enero de 1948 Les Paul sufrió un accidente automovilístico, donde voló 50 metros, en el que se lesionó su brazo y codo derechos. Los doctores le dijeron que no había manera de que recuperase el movimiento de su codo, y que su brazo permanecería siempre en la posición en la que los médicos la dejaran. Les Paul entonces les pidió a los cirujanos que ubicaran su brazo con un ángulo tal que le permitiera sostener y tocar la guitarra. Le tomó un año y medio recuperarse.
Falleció el 13 de agosto de 2009 en el "White Plains Hospital" en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía

Arpa

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Este aviso fue puesto el 18 de septiembre de 2016.
Para otros usos de este término, véase Arpa (desambiguación).
Arpa
Harp.png
Arpa medieval (izquierda) y arpa moderna (derecha).
Tesitura
Range of harp.JPG
(arpa moderna de pedales)1​
Características
Clasificación Instrumento de cuerda pulsada
Instrumentos relacionados
Lira
Cítara
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Octavio Vega tocando el Arpa Jarocha

Arpa celta de 26 cuerdas.

Monica Lucena, ejecutando el arpa paraguaya.
El arpa2​ es un instrumento de cuerda pulsada formado por un marco resonante y una serie variable de cuerdas tensadas entre la sección inferior y la superior. El sonido se obtiene al tocar las cuerdas con los dedos.

Las arpas se conocen desde la Antigüedad en Asia, África y Europa; se remontan al menos al año 3500 a.C. Este instrumento alcanzó gran popularidad en Europa durante la Edad Media y el Renacimiento, donde se evolucionó dando lugar a una amplia gama de variantes. Se extendió llegando a las colonias de Europa, logrando una especial popularidad en América Latina. Mientras que algunos miembros antiguos de la familia del arpa se extinguieron en Oriente Próximo y Asia meridional, hay descendientes de las arpas tempranas que todavía se tocan en Birmania y en África subsahariana, mientras que otras variantes difundidas en Europa y Asia han sido recuperadas por músicos en la era moderna.

Algunos de los tipos de arpas son el arpa clásica, usada actualmente en las orquestas, el arpa celta, el arpa andina, el arpa llanera, el arpa paraguaya. El arpa es un instrumento característico en las músicas tradicionales de países como Irlanda, Paraguay, Perú, Venezuela, México, Chile y Colombia entre otros.

Índice  [ocultar]
1 Historia
2 Tipos de arpa
3 Aparición del arpa en la orquesta
4 El arpa en la música
4.1 Artistas de pop y rock
4.2 Arpistas latinoamericanos
5 Véase también
6 Referencias
7 Enlaces externos
Historia[editar]

Pintura egipcia sobre un arpista ejecutando un arco musical.
Si bien existen instrumentos muy antiguos semejantes al arpa, debe tenerse en cuenta que la clasificación de Hornbostel y Sachs distingue entre las cuerdas vocales tipo arpa (con un mástil que cierra el arco) y los tipo arco (que no disponen de ese mástil). Así pues, varias de las primitivas arpas que aparecen en la historia del instrumento son literalmente, arcol mundo, al igual que en distintas épocas. Pertenece al grupo de los cordófonos. Se conocía ya en la antigua Asiria, en Israel y Egipto, de donde pasó a Grecia. Utilizaron el término griego ki‧thá‧ra para traducir la palabra kin‧nóhr más o menos la mitad de las cuarenta y dos veces que aparece en el texto hebreo. La ki‧thá‧ra era un instrumento parecido a la lira (en griego lý‧ra), pero con una tabla de resonancia más llana.3​

Fue un instrumento muy de moda durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. Se recuperó en el siglo XVIII, cuando se le agregaron los pedales.

Tipos de arpa[editar]

Arpa andina, Cusco, Perú
Algunos de los tipos de arpa son:

Arpa medieval: De origen irlandés, también conocida como arpa bárdica. No superior a los 75 cm de altura y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aún se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el Museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de Escocia, en el Museo Nacional de Edimburgo.
Arpa celta: De origen galés, puede medir hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.
Arpa paraguaya: Usualmente tiene 36 o 37 cuerdas. Las cuerdas son de nylon y están divididas por la línea media de la cabeza del arpa, así las fuerzas son equilibradas y la construcción de esto tipo de arpa es menos pesada que la de otros tipos. El arpa paraguaya también tiene clavijeros como los de la guitarra.
Arpa andina: Producto del sincretismo cultural europeo y andino. De uso muy extendido en la música vernacular de Perú, sobre todo en los géneros del huayno de la sierra central y sur. Cuenta con clavijeros para el afinamiento como los de la guitarra.

Guitarra Acústica

En el momento en el que una persona se decide a iniciarse en el mundo de las guitarras suele decidirse por las electroacústicas. Normalmente es porque son mucho más fáciles de utilizar; te ayudarán a ir aprendiendo nuevas técnicas si eres un usuario novato o bien a perfeccionar tu técnica en el caso de que ya tengas algunos conocimientos avanzados.

Ahora bien, otra de las características más interesantes que tienen las guitarras electroacústicas es su especial sonido. ¿Quieres saber en qué se diferencian del resto de las guitarras? Sigue leyendo para descubrirlo.

¿Cómo es el sonido de una guitarra electroacústica?
Guitarra Electroacustica

Lo primero que tienes que saber es que la diferencia que existe entre una guitarra electroacústica y una acústica es el previo. Se trata de un dispositivo muy especial capaz de amplificar el sonido que esta emite; además, también dispone de un afinador y un ecualizador por lo que la convierte en mucho más completo.
Ahora bien, para poder instalarlo también habrá que añadir una pastilla o bien un micrófono.

El previo es una característica básica de las guitarras electroacústicas por lo que se consigue un sonido mucho más alto. Digamos que el usuario que todavía no tiene mucha experiencia, podrá darse cuenta de sus errores si el sonido es más alto.
Pero no solamente eso, los expertos también aseguran que se consigue un sonido mucho más armonioso y sutil.
¿Alguna vez te has planteado por que las guitarras electroacústicas son tan fáciles de manejar? Básicamente porque al haber sido diseñadas con la idea de ser combinadas con un amplificador, se fabrican con una caja de resonancia mucho más pequeña que en cualquier otro modelo.

De esta forma, podremos moverla de una forma mucho más cómoda lo que nos dará la fluidez necesaria para ir acostumbrándonos a otros modelos.
Ahora bien, por muy especial que sea su sonido, probablemente el de una acústica, al tener una caja menos estrecha, será claramente superior.
Realmente el previo jugará su papel de importancia en el momento en el que estemos listos para grabar o en el que vayamos actuar. Una guitarra acústica estándar necesitará contar con algunos elementos para que todo funcione: entre ellos destacamos los altavoces, un micrófono y una mesa de mezclas.

¿Sabes lo que necesita una guitarra electroacústica? Tan solo un amplificador un cable para poder conectarla a él.

Amplificador Guitarra
Así que bueno, un usuario avanzando es muy probable que deje las guitarras electroacústicas a un lado… sin embargo, uno que está aprendiendo se dará cuenta de inmediato de las claras ventajas de estos tipos de guitarras y no dudará en aprender con ellos.
Poco a poco irá notando que necesita más y será entonces cuando se decida por utilizar la acústica o la eléctrica.

Piano

Para otros usos de este término, véase Piano (desambiguación).

El piano (palabra que en italiano significa «suave», y en este caso es apócope del término original, «pianoforte», que hacía referencia a sus matices suave y fuerte) es un instrumento musical armónico clasificado como instrumento de teclado y de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional, y según la clasificación de Hornbostel-Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el piano se llama pianista.

Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro, produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que las amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.

A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que estas vibren en las frecuencias adecuadas.

En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las doce sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido pianistas. Destacan figuras como Frédéric Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Claude Debussy o Piotr Ilich Chaikovski. Fue el instrumento representativo del romanticismo musical y ha tenido un papel relevante en la sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y XIX.